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1週間ほどの前になりますが、ギリギリの最終日、パリ市立近代美術館で行われていた「Andre Cadere, Peinture sans fin（アンドレ・カデレ、終わりなきペイント）」展をみてきました。（もう終わってしまって、情報的にとっても遅すぎるのですが…こういうアーティストがいるということを私自身知らなかったのと、この展覧会がとてもよかったので、メモしておきたいと思います。）
 アンドレ・カデレ（Andre Cadere）はルーマニア人。1934年、ワルシャワ生まれ。1967年にパリに移り、同じくルーマニア出身のイジドール・イズー（Isidore Isou）をはじめ、レトリスム（lettrisme）の仲間たちと交流。また、ミニマル･アート、コンセプチュアル･アートなどを踏襲する芸術家たちと知り合い、ネットワークを築いた。1969年、色を塗った竿のような細い棒を作品として発表。それが円筒をつなげた作品のアイデアの基点となった。彼の作品は、木の円筒で出来ている。各円筒は、高さが底辺の直径と同じサイズになっている。そして、理論的にはそのサイズに際限はないが、円筒をつなげたバー（棒）がアーティスト（アンドレ・カデレ）自身に持ち歩ける長さ、重さに作られる。 バーは、黒・白・黄・オレンジ・赤・紫・青・緑の8色のうち、3〜7色で構成される。構成する各色には番号が割り振られ、それによって色が配置される。その配置にはAとBの2種類の規則があり、Aでは5種類、Bでは2種類のバリエーションがある。 A-1：3色12円筒 123/231/312/123 A-2：4色20円筒 1234/2341/3412/4123/1234 A-3：5色30円筒 12345/23451/34512/45123/51234/12345 A-4：6色42円筒 123456/234561/345612/456123/561234/612345/123456 A-5：7色56円筒 1234567/2345671/3456712/4567123/5671234/6712345/7123456/1234567 B-1：3色21円筒 123/213/231/321/312/132/123 B-2：4色52円筒 1234/2134/2314/2341/3241/3421/3412/4312/4132/4123/1423/1243/1234 しかしながら、ここに「エラー」が挿入され、色の配置転換が行われる。その場合、同じ色が続けてつながることはない。このエラーの挿入により、各カラーバーは個別的なものとなる。  例えば、バーが黒（1）、白（2）、赤（3）の3色で構成される場合、B-1の配列によると、黒白赤/白黒赤/白赤黒/赤白黒/赤黒白/黒赤白/黒白赤というバーができるはずである。ここにエラーが挿入されると、実際にできるバーは右のようなものとなる。アンドレ･カデレは、カラーバーを持ち歩き、公共の場に現れ、時には他のアーティストの展覧会パーティーに出かけていったりした。そして、カラーバーは様々な場所で恣意的に立てかけられる。このバーには、展示のための特別な場所も許可も、釘や額縁も必要ない。  …という理論に基づいているのですが、展覧会を観る前、私にはこのコンセプトがいまいちよく把握できませんでした。でも、実際の作品群を見ると、一つとして同じ配色順のバーはなく、なんとなく「なるほど」と納得させられました。そして、コンセプトが理解しきれないとしても、バーの愛らしさと展示の仕方などに感動をおぼえました。カラーバーに使われる色の濃淡は特に決められていないということでしたが、私にはどこなとなく70年代チックなカラー、そして日本では自然に出てこないであろう、ヨーロッパ的（それも東欧的な）の色合いに感じられました。 特に印象的であったのは、アンドレ･カデレがカラーバーを担いで街中をゆっくりと徘徊する映像。まるで彼の存在を象徴する道具（槍とか弓とか）を担いで荒野をさまよう孤独なインディアンのようでした。そして、そのシンボルと共に歩くインディアンは、他の生き物たちと距離をもち、彼らに無関心のようでありながら、自然の調和を保って溶け込んでいる孤高の存在者。…というのは言い過ぎでしょうか。  しかしまた、アーティストたちに紛れ込んでいる写真を見ると、いつでもどこでもそのカラーバーを肌身はなさず持っている様子は、なんだかライナスの毛布のようでもあって、どことなく子供っぽさを感じたりして、ちょっと可笑しかったです。今回の展覧会で最も感動した点は、常設展の中にまぎれてアンドレ･カデレのカラーバーがひっそりと展示されていたこと。例えば、マチスの「ダンス」の下に、まるで置き忘れたかのように立てかけられたカラーバーがあったり。まさに、どこにでも展示できるという、カデレのコンセプトが体現された展覧会であったと思います。 写真は以下のサイトから拝借しました。 art das kunstmagazin |
 昨日で終わってしまった「型紙とジャポニズム」展。例によってギリギリに駆け込み閲覧（10月からやってたのにね）。先日、「ノクチューン」開館時間延長の木曜日、仕事の後に行ってきました。 そして例によって展覧会を終わってからのご紹介…（あいすみません）。 最初、「型紙」と聞いたときには、着物を作るときの型紙？と思いましたが、着物などに使う布を染めるときの模様の型なのですね。染めの型って、紙で出来ているとは知りませんでした。 今まで、着物や風呂敷で何気なく目にしていた和風柄ですが、こうして型紙をじっくり見ると、その細かさに驚かされます。  上下左右の対称性、幾何学性は、デザインとしてかなり高度なのでは。しかし同時に、計算されたその緻密さが神経症的に感じられました。そういえば精神科医の中井久夫が、ベトナムにおける強迫的なまでの幾何学性（例えば、ベトナム戦争において民兵が戦車が通れないように刻み込んだ道路破壊や、露天商の物の並ベ方に見られる）について指摘していたなあ、などと思い出しました。展覧会入り口前に、型紙を使って染められた柄入りの着物とエミール･ガレの花器が並んで置いてあり、すでに19世紀末から20世紀初めにかけて西欧に与えたジャポニズムの影響が想起させられていたこともあるだろうけれど、一つの型紙に描かれた流水の模様を見て「これってマッキントッシュ（アップル社コンピューターじゃないですよ）」と思いました。 その後、第二展示コーナーに行くと、型紙に見られる和柄が西洋美術に与えた影響の比較展示がなされていて、なるほどーと感心。ほんの一時ではあるけれど、アール･ヌーボーについて勉強したことがある私にとっては馴染みのある特徴を兼ね備えた作品群。フランスの印象派画家もそうだし、19世紀末以降、特に1867年と1900年にパリで開かれた万国博覧会を機にフランス美術がジャポニズムの影響を受けたことは知っていました。しかし、比較展示によってこれだけ如実に見せつけらると衝撃的。 展示コーナーは、ウィーン、ドイツ、イギリス、フランスといった、各国の美術と型紙の対比になっていたのですが、「アール・ヌーボー」という一つの運動としてまとめられてしまいがちな美術様式が、各国でやっぱり違うなということを感じました。ウィーン、ドイツには幾何学性と繊細さ、イギリスには自然（植物）というモティーフ、フランスには優美さが、それぞれ日本美術から取り入れられたような気がしました。勿論、作家による違いはありますが。うーん、でも、これって各国文化に対する固定観念のせいもあるかな？ アール・ヌーボー大好きなのって、はっきり気づいていなかったけど、やっぱりそこに日本的なものがあったからなのかなー。 それに、アール･ヌーボーに惹かれた当時、感じやすいお年頃だった私は神経症的なものが好きだったのかも。特に好きだったのは、「サロメ」の挿絵画家ビアズレーやクリムトだし…。エクトール･ギマールやエミール･ガレも、前から好きだったけど、今だったらどちらかというとそっちかな。 でも相変わらずルネ・ラリックは好きになれない。エログロな感じが。 会場を出て、地階で上映されていた型紙の作り方を数分間ほど立ち見。「きり彫り」という技術を見ましたが、本当に細かい。気が遠くなりそう。やっぱりちょっと神経症的だよね、と思いました。 |
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一週間にわたっての連載形式になってしまったウィリアム･クラインについてのメモですが、長ったらしいわりには参考にした資料が少ないです。
�．櫂鵐團疋ァ�･センターでのWilliam Klein展覧会案内プリント ��Les inrockuptibles, No 139(Du18 au 24fevrier1998), pp. 36-41 ��Cahiers du cinema, No 522, pp. 14-16 ��William Klein, Films, ed. Marval, paris, mars 1998, pp.5-24  あと、最初にお断りしたとおり、NOVAというラジオ局で1月22日の19時より放映されたインタビューを参考にしています。こちらはNOVAサイトを見てもアーカイブなし。さて、個人的な意見を付け加えておきます。 正直言って、ウィリアム･クラインの映画は最後まで見通すのが結構しんどいです。彼の独特さがそれで出ているとよく言われるようですが、手ブレ多いし。あと、ストーリー運びのリズムが速くない。 「地下鉄のザジ」は、ビデオで見たのですが、たしかに色は60年代っぽいしポップでカッコイイ、ちょっとはちゃめちゃな展開もいい、アングルにびっくりさせられる、などの印象と共に、クライマックス（？）となるザジの追いかけっこのシーンがやたら長くてちょっとうんざりしたような記憶が残っています。 「Qui etes-vous Polly Magoo?」は、正直言ってストーリーがよくわからなかった。今見たらもうちょっと面白さが理解できるかな。これも最後まで見るのが辛かった。 「Le couple temoin」は、実はあんまりよく覚えてないんです。これはもう一回観たい。他のに比べて展開はわりとリズム感あったような気が。 「Mister Freedom」は素直に面白かったし、大好きな映画です。なんといっても日本じゃカリスマアイドルフランス人化しているセルジュ･ゲーンズブールが出演している。そしてめちゃ若い。入り乱れダンス･パーティーで、嬉しそうに女の子の洋服を剥いているし。それにポップなヴィジュアル。これは絶対一部の日本人にウケるでしょう（当時の話です。今は知らない）、と思ったけれど、同時にあの政治風刺が伝わるのかな？と思うと疑問でしたが。私は腹の底でくつくつと笑いながら観たのですが、一緒に観に行ったフランス人の男の子は終わった後で「長かった〜」と不平をもらしていました。で、彼の感想、長いと感じる＝ennuyeux（退屈）ってことだったと思うんですが（表情からしてもそんな感じだった）、なんかねえ、うーん…。政治風刺もカリカチュアが子どもっぽい、みたいなことを言っていたような。まあ感覚の違いでしょうねえ。たしかにアメコミっぽいです。それにたしかに長く感じる。だらだらとした雰囲気がありますから。あんまりぽんぽんとはずんで調子よく進む感じじゃない。でも、それを差し引いても私は面白かったと思いました。もう一回みたいです。 当時はフランス語もまだよく聞き取れなくて、ヨーロッパからみた冷戦というのもよくわかってなかったので、今見直したらまた感想が違うかもしれません（ネガティブな感想になるかも？）。しかし、よく覚えていなかったのですが、先に参考資料として挙げた「Les inrockuptibles」によると、ミスター･フリーダムがタワーの最上階にある彼のオフィスからエレベーターに乗るとき、各階の表示ボタンが色々な国の名前になっていたそうです。98年のインタビューで、クラインは「この映画についてユビュ王のことを言った批評家がいたけど、それは間違ってない。それに今でもそれは続いている。モニカゲートから脱出するためにクリントンはイラクを爆撃したがっているんだからね」と話しています。今だったらきっと、自国を中心としたアメリカのグローバリゼーションの風刺と見るでしょう。それだけ長い間変化していないアメリカ的なものがあるということだろうけど、同時にクラインの視線が鋭いことに驚かされます。 「Le couple temoin」も、voyorisme（覗き見趣味）みたいなところもあるし、今みても古くさく感じないのではないかな〜という気がします。 |
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ウィリアム･クラインは1970年代を通して多くのCM作品を手がけている。
彼は1972年から1982年の10年間で、実に250ものCM撮影をした。しかし、広告という消費社会の重要なファクターに関わりつつも、クラインはメディアにのせられやすい消費社会を風刺した映画を制作する。 1975年から1976年にかけて、「Le couple temoin（モデル･カップル）」というフィクション映画を手がける。 もともとは「Demain la ville」というタイトルでひとつの新しい街、何もないところに突然建てられたモデル･タウンについての映画を構想していた。その映画の一部としてモデル･ハウスに入った一組のモデル･カップルが現れるはずであった。しかし十分な予算がなく、クラインはアイデアを縮小せざるをえなかった。  果たして、ストーリーは次のようになった。国に選ばれた一組の若いカップルが、近未来的でモダンなモデル･ハウスに入居し、生活する。しかしただ生活するのではなく、新しい商品を与えられて次々に試さなければならない。また、社会心理学者や未来学者が彼らをつぶさに観察しコメントを加える。更に野次馬的な一般人たちがモデル･ハウスにやってきて、珍しい動物を見るかのようにモデル･カップルを観察する。この映画では、国家に密かに誘導される大衆社会へのクラインの冷ややかな視線が感じられる。 ところで、クラインの商業ベースの活動（CM撮りやファッション写真撮影）と彼が自分のために制作する映画の間に矛盾があると指摘することができるだろう。それについて、クラインはこう語っている。「『Le couple temoin』を制作したとき、配給会社が金を持ち去ってしまった。百万もの借金があった。確かに僕は、それを返済する為に数年間たくさんの広告をやった。ファッション写真も同じだ。もし生活のために稼ぐ必要がなかったら、そういう仕事を決してやらなかっただろう。」「借金を支払うために、広告制作に多くの時間を過ごした。それはどちらかというと失われた時間だった。」 ほぼ映像に偏った活動が続いたが、1978年、写真界にも顔を出す。アルルで開かれた国際写真展から特別招待を受ける。 1980年にアメリカでリトル･リチャードについてのドキュメンタリーを撮ったあと、1981年にはフランスで別のドキュメンタリー「The French」を撮影する。  「The French」は英語で「the French Open」と呼ばれるテニスの全仏オープン、ローラン･ギャロスの映画である。このドキュメンタリー撮影を持ちかけられて、テニス好きのクラインが断るはずがなかった。クラインはフリー･パスをもらって選手控え室までカメラを持って入り込み、選手たちの勝負前の様子、テレビを見ながらの反応、マッサージしてもらうヤニック・ノアや、寡黙で知られたイヴァン･レンドルの笑顔などを撮影した。このドキュメンタリーは最終的に3時間という長さになった。1982年から1984年にかけて、「Liberation」「Sunday Times」「Leica」などに依頼されて写真活動を続ける。 1983年にポンピドゥー･センターにて展覧会。 映画の分野では、80年代以降、クラインの批判的な鋭さは段々と角がとれていったようである。 1984年、フランスのスポーツ選手たちをスタジオに呼んで「Ralentis」を撮影。NASAに借りたカメラのおかげで、極端なスローモーション映像を実現。 1985年、当時の文化大臣、ジャック･ラングの命によりフランスにおける若手ファッションデザイナーをフィルムにおさめる（「Mode in France」）。 1986年、フランスにおいて「Grand Prix National de la Photographie（写真部門ナショナル･グラン･プリ）」受賞。 1989年には「Officier des Arts et lettres（芸術･文化功労２等勲章）」受勲。 1990年代、クラインは絵画（というかペインティング･アート）にも戻ってくる。  「他人に自分のコンタクト・プリント（べた焼き）を見られるのが大嫌いだった。まるで私的な日記を読まれているみたいだから」と言うクラインであるが、そのコンタクトが彼の新たなペインティング･アートの基盤になった。クラインは自分が撮影した白黒フィルムのコンタクト･プリントの上に、カラー絵の具でペイントを施す。こうした作品は「Contacts peints（コンタクト・ペイント）」と呼ばれる。1990年から1994年、世界のいたる都市（パリ、ニュー･ヨーク、トリノ、東京と大阪）で展覧会開催。 1993年に「In & out of fashion」制作。ファッション史を下敷きに、自身の写真やコンタクト・ペイントを織り交ぜた映画となる。 1997年より映画「Le Messie」制作開始。フランス、スペイン、ロシア、アメリカ合衆国にて撮影が行われる。  「Le Messie」は、ヘンデルの音楽と共に映像が流れる映画である。もともとは世紀末のためのオラトリオを題材に映画を作りたいと考え、クラッシック音楽として世界で最も演奏されたであろう曲目のひとつ、ヘンデルの同名曲を主題にすることにしたらしい。しかし、ほとんどの場面で、クラインは「人間の条件、現在の生活」を照らし出そうとした。クライン本人によると彼は無宗教で、ヘンデルのこの楽曲を使用したことに宗教的な意味はないらしい。この映画の中には、ただ、悲痛で滑稽な人間の状況がある。ところで、この映画の中で、西洋絵画の歴史を通して描かれてきたキリストに近い容貌の男性が映し出される。場所はニュー･ヨークの真ん中で、彼はただ黙って立ち尽くし、人々は無関心に通り過ぎていく。この人物が映画にあまりにぴったりくるので、キャスティングをして選ばれたのだろうとひとは考えるだろう。しかし実はたまたま撮影しようとしたところで見つけたのだそうだ。撮影グループの誰かが街角に立っていたこの男性に気付き、「キリストっぽいから彼を撮影してはどうだろうか」と言い、クラインも「いいんじゃないか」と同意して、彼に話し掛けた。「何もしなくていいので、ただしばらく立っていてください」と頼むと、この男性も撮影に承諾して、人々が行き交う中、じっと佇んだ。後にクラインは「奇跡を信じますか？」と聞かれて、「妻と出会ったこと」の次にこの逸話を紹介し「あれは奇跡だった」と述べた。世紀末のオラトリオの映画でも、クラインの明るさはどこかに宿っている。 クラインは闘士的なアンガージュマンの映画を撮ったことを否定しはしないが、本人は一度もデモに参加して腕を振り上げたこともなければ、どこかの政党に入ったこともない。いつまでも闘士的映画人と呼ばれるのは嬉しくないらしい。「僕は全くのアナーキスト」だというし、「自分の自立（independance）を守りたい」という。しかし他方で、「今日、誰が政治的な映画を撮っているか僕は知らない。映画人たちは滞在許可証のない人々のために運動をしたが、人々はうまくいくように映画を作るし、政治的な映画は大勢の観客を引き寄せられない。〔…〕『Mister Freedom』は一種の激昂の中で作られた。しかもひとは68年の人々のことを過激派と呼ぶ。しかし激昂など、今日の映画のどこに見ることができるのか、僕は知らない」と述べている。フランス映画界の事情も考えざるをえないし、彼が数々の映画制作プランを諦めなければならなかったことが思い起こされる。そしてそれ以上に、政治的指向や政治的関心の薄い社会になっているということかもしれない。 それでも、彼の昔の映画（特にフィクション映画）に見られるような闘士的な面は過去のものでしかない、とは思わない。それは次のようなエピソードにクラインの人柄が感じられるからだ。それは、アメリカの大学で、彼の映画についての討論会の最中、ひとりの黒人学生が彼の哲学は何かと訊ねたときのことだ。彼は笑って、毎朝学校で手を胸にあてて唱えさせられた「誓い」のことを話した。「…全ての人に自由と正義を」。「あの頃は、みんなよくわからずに繰り返していた。結局、今日、僕はそれ以上にひとが求めることを思いつかない」と彼は言った。 2002年には写真集「Paris + Klein」出版、パリのヨーロッパ写真館にて展覧会。 2005年12月7日より、ポンピドゥー･センターにて展覧会（2006年2月20日までの予定）。 2006年2月4日、ポンピドゥー･センター内、フラマリオンにてサイン会（予定）。 |
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1969年、クラインは招待されてアルジェリアに渡り、そこで行われたアフリカ文化の祭典の模様を撮影した。民族衣装で音楽を奏でたり踊ったりの祭典の様子を収めたフィルムは「Le festival panafricain de la culture」というタイトルがつけられている。
 また、翌年の1970年、同じくアルジェリアで、ブラック･パンサー党の「文化大臣」、エルドリッジ・クリーヴァーをカメラで追った。クリーヴァーはFBIから逃れるためアルジェリアに亡命していた。クラインはクリーヴァーがカスバで折りたたみナイフを購入するのに付き合い、クリーヴァーは撮影中このナイフをいじくり、開いたり閉じたりして弄んだ。映画の中でクリーヴァーはアメリカ政府の転覆や「黒人が生き残る為にブラック･パンサーがリードする闘争」について話すが、まるで自分の闘争的美麗句に陶酔しているようであった。三日三晩、ひっきりなしにハシシを吸うクリーヴァーを捉えるショットは、まるで隠された真実を出現させようとするかのように、徐々にクリーヴァーに近づいていく。クラインの目には「アリは見せかけだけの道化で本物の救世主、クリーヴァーは見せかけだけの救世主で本物の気狂い」と写ったそうである。アリといえば、クラインは1974年、彼の試合の模様を再び撮影している。ボクシングのチャンプ、カシアス･クレイのドキュメンタリー映画を撮ってから10年後のことである。  カシアス・クレイはイスラムに改宗して名前をモハメド･アリに改めていた。そして、ヴェトナム戦争への徴兵を拒否したため3年間の懲役刑を受け、ヘビー級タイトルを剥奪された上、ボクシングをすることを禁じられた。リングから遠ざかっている間のアリがどのように過ごしているかとても気になっていたクラインは、ジョージ･フォアマンとの対決と聞いてザイールへ飛んだ。フォアマンとの試合は、リストンとのそれよりももっと驚くべきものとなった。復帰以来、ぱっとした成績があげられなかった32歳のアリと、上り調子で無敵の25歳のフォアマンでは、アリに勝ち目がほとんどないと予想されていた。しかしアリはチャンプの座を奪還した。 その模様を撮影したクラインの映像は、カメラが常に動いており躍動感に満ちていて、その熱狂的な雰囲気を捉えている。 クラインは黒人のドキュメンタリー映画を3本撮っている。アリのドキュメンタリーの後、少し間をあけて、クラインは1980年に「Little Richard story」を製作する。 エルビス･プレスリーとビートルズの人気に押されて斜陽となり、クラインが映画を撮影した頃のリトル･リチャードは影がすっかり薄くなっていた。過去にはそのレコードがミリオン･セラーとなったミュージシャンは、いまやナッシュヴィルの白人カップルの家にやっかいになっていた。クラインが撮影している間に、リチャードは騙されていると感じて姿を消してしまった。クラインはこれに狼狽することなくハリウッドでリトル･リチャードそっくりさん大会を開き、撮影を続けた。リトル･リチャードの出身地であるジョージア州メーコンで、クラインは本人抜きで「リトル・リチャード・デイ」を催した。合衆国の南部の他の多くの町と同じように、打ち捨てられて寂しい町、メーコンがそこに現れる。 彼のドキュメンタリー映画の主題となった人物が黒人であることについて、クラインは「それは左派のユダヤ人ニュー・ヨーカーの、黒人に対する後ろめたさ。それと黒人への熱狂」と言っている。しかし、もしそれが根底にあったとしても、当時のアメリカ人が誰もスポットをあてて映画を撮ろうなどと思わなかった人物に、クラインは注目してドキュメンタリーを制作したのである。モハメド･アリは、まず黒人たちのスターであったが、当時でも国民的スターとして称えられてしかるべきだった。ところが、アリを引っ張り出してきてアトランタ五輪の聖火を灯させ、まるで新しい発見とでもいうように彼を国民の英雄扱いし始めたのは、彼が無害な人物となってからである、とクラインは言っている。 1998年のインタビューで、「フランスの現状を撮りたいと思いますか？」という質問に対し、「僕はフランスで外国人だし、他の人たちのようにフランスの政治について話すことができない」とクラインは答えている。しかし、あるアメリカ人たちのドキュメンタリーを撮ることができたのも、外国のアメリカ人だったからかもしれない。 （またまた…まだまだ続く） |